Exposição & Histórico

Exposição & Histórico

Lembro-me de quando comecei a escrever roteiros na minha adolescência, Exposição e Backstory eram dois conceitos que realmente me desconcertavam. A razão é que todo mundo sempre diz que quando se escreve um roteiro você tem que “sempre mover a história para frente, sempre mover a história para frente”*

Por muito tempo, eu não entendia como eu podia mover a história para frente e ao mesmo tempo entregar backstory. Na minha mente, avançar e retroceder eram duas noções contraditórias: como se pode avançar e retroceder ao mesmo tempo? Eu pensei (erroneamente) que avançar significava centrado no futuro, que eu deveria focar apenas no que iria acontecer no minuto seguinte, ou no dia seguinte, ou na semana seguinte na vida dos personagens. Eu pensei que falar sobre o passado da personagem era tabu. Mas isso não é verdade. Revelar o passado da personagem é uma parte essencial da escrita de ecrã. Isso faz com que o público se conecte aos personagens de formas que de outra forma não seriam possíveis.

*Move The Story Forward

A essência do adágio always-move-the-story-forward é que o escritor nunca pode desperdiçar o tempo do público com cenas ou batidas inúteis ou irrelevantes. Neste sentido, é totalmente possível fazer avançar a história enquanto a história de fundo é relevante para a cena ou personagem.

The Purposes of Exposition

A exposição completa vem em uma variedade de cores e formas (mais sobre isso abaixo), seu objetivo na maioria das cenas é um desses:

>ul>>li>Passar ao público sobre um personagem e seu mundo: o mundo da história é pitoresco e pacífico ou assustador e violento? Todos os parentes dos personagens principais morreram de velhice ou foram baleados durante um assalto a um banco? Pense no Batman. Como morreram os pais de Bruce?

    >li>Permitir que o público se ligue a um personagem aprendendo mais sobre seus traumas e dores: a insatisfação é algo que todos sentem mais cedo ou mais tarde. Quer sejamos infelizes com as nossas carreiras, amemos a vida, o nível de educação, o que temos, todos são infelizes com um aspecto das suas vidas. Lembra-se de Luke Skywalker no início de Star Wars: A New Hope (1977)? O aventureiro em Luke tem as mãos atadas devido às suas obrigações na fazenda, embora ele realmente queira viajar e explorar. Muitos de nós temos estado no lugar de Luke em algum momento de nossas vidas. Então aqui estamos assistindo a este ficção científica sobre guerras intergalácticas, e entendemos exatamente o que o personagem principal está sentindo. Isso é uma conexão.

>>li>Informar o público de um medo específico ou habilidade que um personagem possui: este é um tipo de prefiguração que revela uma característica que será relevante à medida que a história se desdobra: Indiana Jones tem medo de serpentes, Romeu e Julieta discutem a morte, Ripley pode operar um carregador de energia, etc. Exposição Através do Diálogo A forma mais comum de dar exposição é com conversas. Linhas de diálogo podem oferecer informações importantes sobre o background de um personagem.

Early in Little Miss Sunshine (2006), a família se reúne na cena de um jantar repleto de exposições. Essa cena oferece uma grande história de fundo e uma explicação sobre o comportamento de muitas personagens: Dwayne (Paul Dano) não fala porque fez um voto de silêncio como uma tentativa de mostrar sua devoção em se tornar um piloto de testes. Richard (Greg Kinnear) é um orador motivacional e um treinador de vida, que tem tentado conseguir a publicação de um livro. Tio Frank (Steve Carell), de longe a pessoa que faz o discurso mais excitante enquanto explica a Oliver (Abigail Breslin) o porquê de ter tentado cometer suicídio, remonta a uma carreira académica arruinada e a uma separação devastadora com o man dos seus sonhos, revelando também a sua preferência sexual.

In L.A. Confidencial (1997), uma conversa entre o Sargento Jack Vincennes (Kevin Spacey) e o Tenente Ed Exley (Guy Pearce) revela a razão pela qual Exley se tornou polícia: seu pai foi baleado seis vezes por um criminoso que pensava que ele estava acima da lei. À pergunta “Por que você se tornou um policial?”, feita por Exley após seu discurso pungente, Vincennes simplesmente responde: “Eu não me lembro”. Este diálogo separa ambos os homens, pois suas motivações para se tornarem policiais eram diferentes, implicando seus diferentes, talvez até mesmo conflitantes sentidos de justiça.

Numa cena inicial de Francis Ford Coppola Apocalypse Now (1979), o capitão Benjamin L. Willard (Martin Sheen) se levanta de sua cama, se aproxima da janela, olha através das persianas e pronuncia: “Saigão… Merda.” Uma linha de duas palavras é suficiente para apresentar a localização do filme e a satisfação geral de Willard por estar lá.

Exposition Through Mise-En-Scene

Um método menos usado mas igualmente aceitável é a exposição através do uso criativo da decoração e dos adereços. Qualquer objeto que exibe informações sobre um personagem pode ser considerado expositivo. Um certificado na parede pode indicar que so-and-so é um advogado ou um médico. Fotografias podem denotar envolvimento passado por um grupo de pessoas.

Em uma cena do curta-metragem dinamarquês The Charming Man (Der Er En Yndig Mand, 2002), Lars Hansen (Martin Buch) é mostrado se candidatando a um emprego. Enquanto preenche um formulário de candidatura, ele verifica a caixa “single”, estabelecendo assim o seu estado de relacionamento.

As Seen at the Movies:High Noon (1952)

Notice the grime and dust on the wall, where the flag was. Esta construção cuidadosa do conjunto implica que o juiz está lá no escritório há muito tempo. Mas agora que Frank Miller está chegando, o juiz está partindo. Pode ser apenas um detalhe, mas a sujeira e o pó comunicam algo. Além disso, a ação do juiz indica que a situação é grave e potencialmente perigosa. Assim, ele está fugindo.

Isto é contar uma história visual. O juiz poderia ter dito algo como: “Estou nesta cidade há muito tempo… Agora tenho de ir embora”. Mas, em vez disso, esta informação é sugerida através da elaborada mise-en-scène e das suas acções. Isto permite que o diálogo seja mais poderoso por não ser redundante.

Exposição Através de Texto

O tipo de exposição mais evidente é através do uso de cartões de texto ou de título. Esta encarnação é puramente expositiva e raramente dramática.

Um exemplo famoso é a carta de título estática seguida do texto rastejante na introdução a George Lucas’ Star Wars (1977). A placa de título primeiro introduz o tempo e o espaço:

High noon mise-en-scene

O texto de rastejamento subsequente estabelece organizações (o maléfico Império Galáctico) e personagens (Princesa Leia). Para um filme deste complexo, estes cartões de título são um dispositivo bem-vindo.

Uma versão mais simples de exposição de texto é “era uma vez” ou “três meses depois”

Texts também são preferidos quando a exposição sobre um assunto mais formal é necessária. Quentin Tarantino faz bom uso dela no início de Pulp Fiction(1994), quando um cartão de título define a palavra “pasta”

Exposição Através da Narração

Narração é uma das formas mais emotivas de dar exposição. Os narradores podem ser ou uma pessoa omnisciente, desencarnada que vê tudo, ou podem ser personagens que existem no mundo do filme, às vezes narrando a sua própria história, às vezes narrando as histórias dos outros.

In The Shawshank Redemption (1994), Red (Morgan Freeman) descreve como ele vê Andy (Tim Robbins) – uma técnica que permite um melhor escrutínio da persona de Andy. Se Andy estivesse falando de si mesmo, a narração sairia como estranha e talvez auto-importante. Mas Red oferece uma visão em terceira pessoa que combina com o que o público vê. Além disso, já que Red estava na prisão há mais tempo, ele pode compartilhar conhecimento sobre a vida atrás das grades e prever o que Andy está passando:

>forte>RED: “A primeira noite é a mais difícil, sem dúvida. Eles te levam nu como no dia em que você nasceu, com a pele queimando e meio cego daquela merda delirante que eles jogam em você, e quando eles te colocam naquela cela… e aquelas barras batem em casa… é quando você sabe que é de verdade. Uma vida inteira desperdiçada num piscar de olhos. Nada mais do que todo o tempo do mundo para pensar nisso.”

Nota que a voz-off permite um tom mais poético das descrições (“nu como o dia em que você nasce” e “aqueles bares batem em casa”). Escrever narração é muito difícil porque permite que os personagens sejam mais coloridos do que seriam num diálogo. O escritor nunca deve ser redundante ao ponto de mostrar e dizer a mesma coisa. A narração artesanal melhora a imagem e elabora a história.

In Billy Wilder’s The Apartment (1960), C.C. Baxter (Jack Lemmon) abre o filme com uma narração humorística sobre a população de Nova York, estreitando-o à empresa para a qual ele trabalha e, finalmente, a ele mesmo, revelando suas horas de trabalho e até mesmo seu salário.

Jane Campion’s The Piano (1993) traz uma reviravolta à norma. A personagem principal, Ada (Holly Hunter) é muda, mas é também a narradora:

ADA: “A voz que se ouve não é a minha voz que fala – mas a voz da minha mente. Eu não falo desde os meus seis anos de idade. Ninguém sabe porquê. Nem mesmo eu.”

Em todos os filmes acima, os narradores também são personagens do filme, tendo assim influência no enredo. O outro tipo de narrador é o narrador onisciente ou desincorporado, que não faz parte do mundo do cinema, mas que “conhece tudo”

Rede (1976) abre com uma longa exposição de um narrador desincorporado. A narração de 2 minutos condensa mais de seis anos de vida de um personagem. Observe quanta informação e backstory é revelada em tão pouco tempo:

NARRATOR>/strong>: “Esta história é sobre Howard Beale, que foi o apresentador de notícias na UBS TV. No seu tempo, Howard Beale tinha sido um mandarim da televisão, o grande homem de notícias, com uma classificação HUT de 16 e uma quota de audiência de 28.

Em 1969, no entanto, a sua fortuna começou a diminuir. Ele caiu para 22 acções. No ano seguinte, sua esposa morreu, e ele ficou viúvo sem filhos, com uma classificação de 8 e 12 ações. Ele ficou moreno e isolado, começou a beber muito, e em 22 de setembro de 1975, foi demitido, com efeito em duas semanas.

A notícia foi-lhe dada por Max Schumacher, que era o presidente da divisão de notícias da UBS. Os dois velhos amigos ficaram devidamente irritados”

Exposição através do flashback

Outra alternativa é a exposição através do flashback, uma técnica que deve ser usada principalmente para substituir momentos importantes da história que não podem ser reduzidos a uma simples conversa.

Casablanca (1942), por exemplo, tem um longo flashback que mostra como Rick (Humphrey Bogart) e Ilsa (Ingrid Bergman) se conheceram, mais o romance que viveram em Paris. Não há como uma exposição tão longa ser realizada com tal maestria através do diálogo – flashback era realmente necessário.

Outra possibilidade de flashback é quando uma personagem pensa algo tão íntimo que não fala sobre isso. Em The Silence of the Lambs (1991), um par de flashbacks mostra as memórias de Clarice (Jodie Foster) com seu pai.

A Word of Caution

Q com bastante frequência, falamos de “show, don’t tell” que é uma das noções mais duradouras em cinema e roteirização. Mas queria avisar que não se deve usar esse conceito para justificar os flashbacks. O que eu quero dizer é que, embora você possa pensar que flashbacks (mostrar) deve substituir o diálogo (contar), isso nem sempre é o caso, porque flashbacks são às vezes uma detração para o fluxo de uma cena ou sequência. Lembre-se, mova a história para frente.

Então quando você deve recorrer a flashbacks? Como tudo o resto no cinema, não há regras rápidas e rígidas. Meu conselho é evitar flashbacks quando você puder e usá-los com parcimônia. Por exemplo, se você pode revelar a história de trás através do diálogo, então talvez o diálogo seja suficiente. No entanto, se você acha que pode dramatizá-lo melhor num flashback, então flashback pode ser o caminho a seguir. Decisão, decisão, decisões. Não é fantástico contar histórias?

Exposição através da música

Outra óptima forma de revelar o backstory é através da música. Esta abordagem, porém, não pode ser invocada pelo escritor, a menos que a música seja uma parte essencial do enredo. Na maioria das vezes (como vemos ocasionalmente nos filmes da Disney) o diretor ou compositor selecionará momentos chave do enredo para aumentar através da música. De Branca de Neve a Congelada, a Disney sempre surpreendeu a todos neste departamento. Mas aqui está um dos meus exemplos favoritos de não-Disney.

Durante os créditos iniciais de High Noon (1952), a canção vencedora do Oscar Do Not Forsake Me, Oh My Darling toca e introduz o enredo:

>>em>Não me abandone O my darlin’
Neste dia do nosso casamento.
Não me abandone, ó minha querida.
Espere, espere.<

>>em> O comboio do meio-dia vai trazer o Frank Miller.
Se sou um homem, tenho de ser corajoso
E tenho de enfrentar aquele assassino mortal
Or mentir um cobarde, um cobarde medroso,
Or mentir um cobarde na minha sepultura.

Completamente, antes de qualquer um dos personagens pronunciar uma única palavra, a segunda estrofe da canção já estabelece a premissa: Um assassino mortal está vindo no trem do meio-dia, e o personagem principal deve matá-lo ou morrer.

alguns pensamentos…

Pela sua própria natureza, as exposições são sobre o passado. E, portanto, isso significa que elas podem retardar a progressão da história. Portanto, os roteiristas devem estar cientes de quando usá-las, e do efeito que cada uma delas tem na história.

Film Trivia

Durante fotografia principal de The Silence of the Lambso diretor Jonathan Demme e sua equipe estavam prontos para voar até Montana para filmar no local o flashback de uma jovem Clarice tentando fugir, quando, após filmar o diálogo entre Clarice Starling e Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), no qual Starling menciona a tentativa de fuga, Demme percebeu que não valia a pena cortar para outro local quando a exposição funcionava tão bem através da atuação e diálogo dos atores, então ele cancelou o vôo. Neste caso, menos foi mais.

O principal objetivo da exposição é transformar personagens em criaturas tridimensionais, permitindo que o público as entenda e, portanto, participe de suas emoções. No entanto, às vezes a exposição pode ser usada para prefigurar ou justificar as habilidades ou o comportamento de alguém.

In Thelma & Louise (1991), Louise (Susan Sarandon) mostra grande medo de ir para o Texas, um lugar que traz lembranças ruins não reveladas para ela. Mais tarde, está implícito (mas nunca revelado) que Louise foi violada no Texas, o que explica porque ela atirou no homem que estava a segundos de violar Thelma durante o primeiro < forte>plot point. Neste caso, uma exposição posterior valida um ato anterior que de outra forma seria considerado arbitrário e implausível.

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